«

»

Mike Senior (часть 38): музыкальное аккомпанирование

музыкальное аккомпанированиеХотя эта книга о микшировании, я всё же хочу обсудить кратко в этой главе два аспекта постоянно сопутствующих в той или иной мере в студийной работе бюджетного уровня: музыкальное аккомпанирование и музыкальная аранжировка. Оба этих фактора очень важны для любой музыкальной продукции (независимо от уровня бюджета), но все же в небольших проектах к ним не уделяется должного внимания. Если музыкальное аккомпанирование и аранжировка на высоком уровне, то сам процесс микширования не покажется тяжелой работой; но если нет, то на вас возможно ляжет тяжкий груз в независимости тот того, какого качества музыкальный материал или ваши навыки микширования.Я думаю, что это момент очень влияет на заключительное микширование”, говорит Тони Платт, “я не думаю, что есть много мнений по данному поводу… но многие думают, что микширование начинается с момента, когда вы начинаете записывать, перемещать, балансировать, смешивать и создавать звуки.  Вы как бы создаете когерентную обрабатываемую деталь, пропуская целую кучу важных событий и просто фиксируете это все в миксе”. Что же нам, надо взглянуть на микширование с другого угла, чтобы предвидеть многие недостатки.

Аккомпанирование.

Музыкальное аккомпанирование – стандартная практика в профессиональном производстве. Оно включает перезапись данной музыкальной части несколько раз так, чтобы лучшее моменты можно было соединить в одну будущую композицию. Ясно дело, что это отнимает больше времени, чем просто записать одну хорошо удавшеюся партию. Это не говорит о том, чтобы звукоинженеры малобюджетных студий перезаписывали все подряд до посинения, но важные части композиции в обязательном порядке: в таком случае, вы получите выгоду от такого разумного аккомпанирования. Соло-вокалы, к примеру, всегда должны проходить через данный технологический процесс, чтобы можно было услышать каждый нюанс в записи. Стив Липсон подметил, “[Иногда] Вы должны бросить действительно очень внимательный взгляд на некоторые вещи, особенно, когда дело касается вокала. Это те «вещи», где ошибки не простительны и такой «сверхвнимательный» подход окупает все затраты”.

Конечно, аккомпанирование на столько хорошо, на сколько свежее вы можете получить его из нужного источника, и у различных звукоинженеров есть различные предпочтения в данном случае, которые балансируют между двумя крайностями:

    • Многочисленные перезаписи партий и создание микса из самых топовых частей. Продуктивность данного подхода заключается в том, что музыка будет звучать более убедительно, и вы сможете набрать для микса очень много выразительных музыкальных отрезков для будущей компиляции. Обратная сторона, заключается в том, что данный путь требует намного больше концентрации и выносливости от музыканта, таким образом, на практике вы действительно получите превосходные результаты только с самыми талантливыми и опытными музыкантами. Менее опытные исполнители просто утомятся, прежде чем они обыграют более сложные разделы, и уже не будут в состоянии поддерживать общий характерный тон игры, тем самым, не позволяя вам бесшовное редактирование в миксе между взятыми партиями. И если вы захотите скомпоновать запись «во всю длину», собрав всё «волшебство» исполнителя, то готовьтесь – это будет самое, что ни на есть, полное аккомпанирование. “Потребовалось много времени”, рассказывает Паскаль Габриэль, говоря о своей работе над альбомом Дидо “со мною здесь”. “Из двухдневной сессии записи, вероятно, мы потратили приблизительно три четвертых времени на аккомпанирование».
    • Запись одноколейного пути — «одна фраза за один раз». Преимущества в данном случае заключается в том, что вы свободное время концентрируетесь на самых основных частях композиции; исполнитель должен только сосредоточится на одном разделе и только на один раз, таким образом, такой подход более легок для менее опытных музыкантов; тон должен оставаться довольно однородным между записываемыми партиями, как раз до того момента, когда исполнитель начнет утомляться; но аккомпанирование к тому времени фактически подойдет к концу. Недостатком такого подхода, состоит в том, что вы теряете смысловую взаимосвязь музыкального потока между разделами трека. Другими словами, это может привести к тому, что разные части композиции буду по-разному звучать, не будет той «однородности» или «смысловой слитности», так как не было времени для «ювелирного» обыгрывания разных кусков в одном эмоциональном поле. Кроме этого, у вас будет мало смачных проигрышей, так как количество дублей не позволяет вам выбрать из наиболее удавшихся.

Ни одна из этих крайностей не имеет тенденцию хорошо работать в малобюджетной студии, однако, мой совет состоит в том, чтобы ваш подход находился «где-то по середине». В большинстве случаев стремитесь обрабатывать один музыкальный раздел за один раз (отдельные куплеты, хоры, и т.д). Если вы хотите улучшить какой-либо момент — он должен быть не меньшей одной музыкальной фразы, иначе вы просто погрязнете в трясине мелких нюансов. Над основными секциями музыкальной композиции, я бы посоветовал делать как минимум три перезаписи – и это должно считаться минимумом, если вы вообще собираетесь аккомпанировать, а если вы захотите соло-вокал профессионального уровня, тогда целесообразно увеличить число дублей до восьми, а лучше даже больше. Делайте записи одну за другой, пока не достигнете предела ваших и исполнителя возможностей. Все это заставит артиста (музыканта) фактически несколько раз репетировать трек и наверняка с каждым разом у него будет получаться все лучше и лучше. Так же по возможности, старайтесь возвращаться к тусклым «моментам» перезаписывая их еще раз, чтобы будущая фонограмма была более эмоциональная. Надо также заметить, что музыкант или певец начинает уверено чувствовать себя в треке только после нескольких дублей, таким образом, я обычно повторно делаю несколько записей. Однако «свежесть» первой записи иногда содержит в себе несколько фантастических небольших фразоизменений, поэтому, лучше внимательно прослушать ее на наличие некой гениальности. “Биты, которые помнят большинство людей”, говорит Паскаль Габриэль, “являются небольшими интересными и внезапными вариациями, записанные [Дидо] в тот момент, когда она еще не уверена себя чувствовала при аккомпанировании…такие биты иногда стоят на вес золота”.


Лист аккомпанирования:

музыкальное аккомпанирование


Как только закончите с вокальной сессией, строго определитесь: каким частям фонограммы следует уделить пристальное внимание (не забывайте – время у вас ограниченно). Редактирование должно происходить на прямую, потому что характерный тон между аккомпанироваными частями должен быть приблизительно одинаков. Кроме того, вам желательно не налегать на маленькие секции до такой степени, чтобы выжать из исполнителя все соки, отдавайте предпочтение большим основным структурам.

Когда дело подойдет к селекции ваших уже готовых нарезок, возьмите чистый блокнот и составьте планкарту «лист аккомпанирования». Каждая горизонтальная линия листа соответствует музыкальной фразе: если это инструментальная секция, то можно просто пронумеровать каждый кусок; в случае с соло-вокалом, вы можете писать ключевые слова из партии. Ряд столбцов в нижней правой стороне листа можно использовать для записи комментарий касательно качества каждой фразы. Что я обычно делаю, когда прослушиваю каждый кусок аккомпанирования: составляю на планкарте «обязательные» разделы и затем пытаются создать в них как можно больше частей из тех аккомпанированных отрывков, которые у меня есть. Когда вы не можете определиться с оценкой качества фразы, сравните ее общее звучание в фонограмме. Может показаться, что лучше всего сравнивать фразы с фразами, но я заметил, что это не приводит к хорошим результатам, хотя такой подход кажется благоразумным.

Как только лист музыкального аккомпанемента завершен, основные детали редактирования не должны представлять для вас проблем, в 6 главе мы прошли с вами данную стезю со всеми подводными камнями. Однако вы должны принять меры предосторожности, чтобы избежать таких «редактирований», которые явно становятся слышимыми, или иначе вы рискнете создать фонограмму а-ля «творение» Франкенштейна: многие слушатели заметят, что музыка, как бы, нарезана из разных явно выделенных кусков, сшитых вместе. Поэтому вам придется хорошо поработать над высотой и ритмичностью, что бы связать во едино без «швов» (но это все мы обсуждали в прошлых главах).

Mike Senior (часть 39): основы аранжировки музыки от профессионалов

я в твитере я в фейсбуке я в контакте я в ютубе

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Вы можете использовать эти теги HTML: <a href="" title=""> <abbr title=""> <acronym title=""> <b> <blockquote cite=""> <cite> <code> <del datetime=""> <em> <i> <q cite=""> <s> <strike> <strong>